[舞蹈能帮孩子改变内向性格吗]星星老师：您好！ 我的女儿四岁了，平时和家里人有说有笑，可是一见到陌生人就往我和她爸身后躲，可能是从小由老人家带大的原因吧，性格太内向。最近，偶然的机会，领她看了一次少儿舞蹈表...+阅读
性格舞课是专为培养芭蕾舞演员而设立的一门必修课，它是一门独立的技术基础课程。它与古典芭蕾课互相配合，它担负的任务是系统地学习和掌握性格舞蹈的基本元素和基本结构形式，着重工业发展古典芭蕾基本训练所不能解决的基本技术技能，重点选学风格鲜明、结构严谨、不同民族和不同风格的外国民间舞片断，共同培养学生具有全面的舞蹈技术技能和掌握不同风格舞蹈的表现能力。 为什么要开设性格舞课？以怎样的上课方式最为合适呢？ 一.性格舞的主要任务 首先学生装必须具备有2——3年的古典芭蕾基本训练的基础，学生初步具备了某些基本能力，对古典芭蕾艺术的基本规范好有了初步了解，才能开始进入性格舞课程的学习。 学时分为三年。 第一学年和第二学年的上半学期，男女生分班上课。
重点是打基础和作好男女合舞的准备，学习最基本的性格舞和外国民族民间舞动作元素，掌握性格舞蹈的基本形态、身体的基本姿势、手和脚的基本位置，通过简单的组合练习，使学生熟悉舞台的方位、掌握简单的舞蹈队形。 第二学年下学期开始，采取分班和合班交叉进行。继续学习性格舞的基本元素，加大力度和幅度，学习男女对舞的基本技术。 第三学年是整个性格舞基本训练教学过程中最为关键的一年。以学习舞蹈片断为主，掌握各种不同风格的舞蹈片断，在动作的力度、幅度、速度、节奏等方面要求更高、变化更多、对比更加鲜明。 二.性格舞的授课形式 在授课形式上是由四个部分组成：扶把练习、中间练习、组合练习、舞蹈片断练习。不同的学习阶段，这四个部分所占的比重有所不同。
在整个三年的性格舞教学过程中，不是学完某一种风格的舞蹈再去学第二种、第三种风格的舞蹈，而是几种风格的舞蹈同时进行，由浅入深、从简单到复杂、从单一元素到动作组合，并从慢到快循序渐进地进行。选学的外国民间舞蹈素材都已经过加工修饰，并形成了一种特定的技术规范，表现在古典芭蕾舞剧片断中。例如，《天鹅湖》中的西班牙舞、波兰舞、匈牙利舞、意大利舞；《唐·吉诃德》中的吉普赛舞；《胡桃夹子》中的中亚西亚舞、俄罗斯舞等等…… 三.在多年性格舞教学中的一点体会 1. 示范教学 我们都知道舞蹈艺术是一门运用人体动作和形象来表现内容的艺术，一切舞蹈基本训练的目的都是这了最大限地、最有效地培养这种能力。最有效的教学方法只有采用直观的示范教学的方法。
性格舞课的教学和其它舞蹈基本训练课的教学方法并没有什么根本差别，但它具有特殊性——示范教学在外国性格舞课的教学中更为重要。对学生来讲，他们对舞蹈的具体了解首先是从教师所示范的形象中得到的。当我们把所要教的动作示范一遍以后，学生即可以迅速地进行模仿，从而逐步掌握动作要求。示范教学要突出 重点，有针对性地、多样化地贯穿教学过程的始终，同时还要进行讲解，强调各舞种的不同风格、要领、气质、节奏等等。教师的反复讲解、示范对学生来说就如同一面活的镜子，可以参照、模仿、对比。 2. 启发教学 舞蹈艺术从本质上来说是属于表现艺术，它必须靠人体来表现。要使学生尽快地掌握、理解、表现，启发式的教学方法是不可缺少的一种教学手段。
示范教学对学生来说是感性认识，而启发式的教学则是理性的，它所得出的效果是不大相同的。 3. 因材施教 即兴舞蹈能力的培养是外国性格舞课所特有的，同时又是一个难点。每个学生都有他的个性特长，比如：有的学生弹跳很好，有的旋转突出，有的善长于抒情，有的更富于激情、更善于表现等等。教师在教学中要有敏锐的观察能力，及时地发掘和有效地诱导和帮助，要发挥他们的特长，同时要强调动作的规范、节奏的统一和风格的统一等等，二者兼顾。这样才能做到因材施教，得过且过到最好的效果。 4. 教师自身教学能力的培养和提高 一个教师的教学生涯的全过程，可以说努力钻研教学方法、掌握和理解大纲，准确地了解和有效地指导学生是永无止境的。从教师主观的职业责任感，到面对不断变化的客观现实，面对智力不断发展、积极思考、有强烈创造欲望的新世纪的学生们，教师们的责任重大。
一个好的优秀的性格舞教师必须具备优良的职业道德，准确地掌握教材的内容，准确的示范能力和编组合的能力，要有敏锐地观察能力和解决问题的方法。 总而言之，性格舞课是一杯浓郁香甜的咖啡，让人有滋有味地回味无穷。希望广大舞蹈爱好者能够喜欢和欣赏芭蕾舞中的性格舞蹈。 变奏应该是根据节拍来跳舞吧！
芭蕾舞有什么舞
法语（ballet）的音译，一种起源于意大利的舞剧，用音乐﹑舞蹈和哑剧手法来表演戏剧情节。女演员舞蹈时常用脚趾尖点地。意指：①一种舞台舞蹈形式，即欧洲古典舞蹈，通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上，经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的，具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后，技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞，所以也有人称之为脚尖舞。②舞剧，最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体，用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术，称古典芭蕾（或古典舞剧）。20世纪出现了现代舞以后，以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。
逐渐地，芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品，尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。③在现代编导创作的舞蹈作品中，有相当一部分没有故事内容，也没有情节，编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈，或使两者相结合，用以表现某种情绪、意境，或表现作者对某个音乐作品的理解等等，这些也称为芭蕾。 ballet一词，源于古拉丁语ballo。最初，这个词只表示跳舞，或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的含义。芭蕾作为一门舞台艺术，孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动，17世纪形成于法国宫廷，这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下，具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演，由专业的舞蹈教师设计，国王和贵族担任演员，女角也由男子扮演，表演场地在皇宫大厅中央，观众则围绕在大厅周围观看；演员戴皮制面具标志不同角色，故又称假面芭蕾。
1661年，路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。17世纪70年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。演出场地和观众观看角度的改变，引起了舞蹈技术和审美观点的变化，演员站立的姿势越来越外开，由此正式确定了脚的5个基本位置，这5个外开的位置成为发展芭蕾舞技术的基础。专业芭蕾演员应运而生，并逐步取代了贵族业余演员，职业女芭蕾演员也开始登台演出，舞蹈技术得以较迅速地发展。芭蕾演出从基本上是一种自娱性的社交活动逐步转变为剧场表演艺术。这个时期的芭蕾是从属于歌剧的，宫廷作曲家J.زB.吕利在歌剧中加入芭蕾场面，实际上是一连串舞蹈表演，剧情反而显得无关紧要，这时称为歌唱芭蕾或芭蕾歌剧。这种状况一直持续到18世纪中叶。18世纪的芭蕾大师J.G.诺韦尔是芭蕾史上最有影响的舞蹈革新家。
他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》中首次提出了＂情节芭蕾＂的主张，强调舞蹈不只是形体的技巧，而属于戏剧表现和思想交流的工具。诺韦尔的理论推动了芭蕾的革新浪潮，在他和其他许多演员、编导的持续努力下，芭蕾从内容、题材、音乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革，这些改革使芭蕾终于能够与歌剧分离，形成一门独立的剧场艺术。 在芭蕾发展史上，主要有两种美学观点一直在起作用。一种观点认为，芭蕾是＂纯粹的舞蹈＂，16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》的编导B.de博若耶认为芭蕾是＂几个人在一起跳舞的几何图案组合＂。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美，几乎完全不考虑芭蕾的内容或情节，往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。
18世纪中叶以前，这种观点在芭蕾创作中居统治地位。另一种观点强调芭蕾是＂戏剧性舞蹈＂，诺韦尔的＂情节芭蕾＂理论最集中地代表这种观点。他认为在一部芭蕾作品中，舞蹈要表现戏剧性内容，＂情节和舞蹈设计要保持统一，有合乎逻辑的、明白易懂的故事作中心主题，和情节无关的独舞及舞蹈片段都得取消＂，舞剧中＂不仅是舞蹈技术光辉夺目，更须通过戏剧性表现，从情绪方面感动观众＂。上述两种主要观点至今仍在起作用，不少编导致力于创作戏剧性的或有情节的芭蕾作品，也有的编导热衷于无情节芭蕾，注重形式美，两类作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的，并作为保留剧目经常上演。20世纪以来，各种文艺思潮对芭蕾创作的影响越来越明显，出现了许多不同风格的作品。
创作一部芭蕾作品，编导是关键人物，他根据文学剧本（或一个故事、一首诗、一部音乐作品）构思出舞剧结构或舞蹈结构，再由演员来体现。编导和演员都必须掌握芭蕾语言（或芭蕾语汇）--芭蕾技术技巧，以及运用芭蕾语言表现特定内容或情绪的能力，编导应该深谙它们长于表现什么，不能表现什么；而演员则应该训练有素，能适应并创造性地体现编导的构思，只有具备这些基本条件，芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾结构形式有：独舞、双人舞、三人舞、四人舞、群舞等，编导运用古典舞、性格舞（舞台化的民族舞蹈和民间舞蹈）、现代舞等，按上述形式可以编出多幕芭蕾（分场或不分场，如《天鹅湖》）、独幕芭蕾（如《仙女们》）、芭蕾小品（如《天鹅之死》）等。
芭蕾的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和程式化，以致影响和限制了芭蕾的发展。在20世纪编导创作的大量芭蕾作品 中，这些规范和程式已被大大突...
什么是芭蕾舞的双人舞形式
芭蕾双人舞在概念上不仅仅是“两个人跳舞”，在古典芭蕾中，它有两个规定性的含义：第一、这是长期以来形成的一种特定的表演格式；第二、也是一种特殊的表演技艺。
19世纪中期以后，国际芭蕾活动中心逐渐自西欧东移，俄罗斯芭蕾开始崛起。对俄罗斯芭蕾学派的确立影响最大的法国古典芭蕾编导大师马里乌斯·彼季帕，首创芭蕾舞剧里男女主人公共舞的（包括慢板合舞、男、女变奏独舞和快板合舞）的三段体舞蹈表演格式。久而久之，双人舞不仅成为一种公认的固定格式在舞剧中保留下来，而且常常脱开舞剧单独在晚会上表演。我们经常可以看到，古典舞剧中的双人舞作为芭蕾艺术的精华在晚会上表演。
在舞剧里，双人舞往往是男女主人公表演的核心舞段，占据着十分重要的位置。特定的戏剧情景，主人公的性格与心态的外化，各类芭蕾技巧的巧妙组合，构成芭蕾双人舞特有的光彩，而它的炫耀式表演，不仅观众喜闻乐见也为芭蕾明星展示精湛技艺提供了机会。演员们按照原剧应有的情绪，尽力炫耀着自己的拿手绝技，比如女演员连续不停地三十二圈单足旋转，男演员各种复杂的空中变体腾跃等，均创造着激动人心的舞台效果。
尤其几段著名舞剧中的双人舞，经过世代各国艺术家的补充、改进，精雕细琢，愈益丰富、精美、凝练，不愧为芭蕾舞剧的华彩乐章。比如：《吉赛尔》双人舞，在如泣如诉的乐音中展开“人鬼情未了”的交流，而舞者轻灵的漂浮感，写出了典型浪漫主义芭蕾的无尽韵味。《胡桃夹子》双人舞梦幻般的柔美、流畅，灌注了音乐在的品性。华丽高贵、 大方的《睡美人》双人舞一出场，顿然创造了光彩四射的艺术效果。富于诗情画意的《雷蒙达》双人舞，细腻地述说着。与深沉矜持的舞段皆不同，独具一格的《威尼斯狂欢节》，热情、幽默，把轻松愉快的气氛洒遍全场各个角落。《海盗》双人舞缠绵中带着粗犷豪放的“海盗”性格……
这些经典性的芭蕾双人舞舞段是演员们激情狂勃发与严谨规范相结合的产物，是他们在舞台上创造的芭蕾美的浓缩、美的集束、美凝结体，必然 人们情感与情绪的共振。
凡华美的事物必然伴随着艰难的进取，芭蕾双人舞的观赏价值也体现在它愈来愈高难的维度上，而这些常演常新的舞段吸引人之处，主要在表演者的个人魅力。
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