[美术作品的鉴赏]《欧米艾尔》实际上是罗丹对从前的一个模特儿、一个老年的意大利女人所作的敏锐研究中得到的灵感，通过畸形、丑陋的形体，表达了对生命的强烈悲哀和绝望。罗丹以极写实的手法，记...+阅读
《转帖》蒙娜丽莎的微笑作品赏析 作者：白杨树 这是一幅大家都非常熟的名画，作者是达芬奇。这幅画画的是佛罗伦萨一皮货商的妻子，画家画她的时候，她才二十四岁，这位妇女刚失去了自己心爱的女儿，常常悲哀抑郁。画家在画她的肖像时，为了让她面露微笑，想出种种办法：请乐师给她奏乐唱歌，或说笑话，让欢快的气氛帮助她展现笑容。画上的蒙娜丽莎呈现的笑容虽是微弱的，但可以从她的眉宇间看出只心的愉悦，一丝微笑似乎刚从她的脸上掠过。稍翘起的嘴角和舒展的笑肌，可以让人微微感觉到这位妇人在被画的时刻的心情。但她那安详的仪态，表明她的微笑是平静的，不到引起情绪上的波动，这是一种古代妇女的矜持的美的表现。由于于蒙娜丽莎的微笑显得富有魅力，不少美术史家称它为“神秘的微笑” 在受基督教禁欲主义控制的年代里，妇女的举止是要受到许多的约束的，她们不能放肆地表现自己的欢乐与痛苦，不然，就是对上帝的“亵渎”，在一般上层妇女中，也不允许肆意地哭与笑。
所以中世纪的肖像画，一般都被画得呆板、僵硬，面部毫无表情。达芬奇在人文主义思想影响下，开始为表现人的感情而费尽心机，为了画出蒙娜丽莎的真实形象，他还从解剖和生理学上理进行研究，探索隐藏在皮肤下的脸部肌肉的微笑状态，研究人在轻松愉快时的心理变化与反应过程。为了这，他废寝忘食，有时，微风吹起了湖上的涟漪这一现象，也会引起他的注意，启发他去修改自己的画面。其次在构图上，达芬奇改变了以往肖像画多采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形。这样“蒙娜丽莎”就显得更加端庄和稳重。 还有的就是“蒙娜丽莎”的一双手，这双柔嫩的手被画得那么精确、丰满，完全符合解剖构，它展示了她的性格，她的温柔，更展示了她的身份和阶级地位。
从这双手可以看出，画家的精湛画技和他观察自然的敏锐性。“蒙娜丽莎”没有华丽的服饰，一条深褐色的头纱上，也不带任何装饰品；衣纹的自然褶襞被子画得很仔细。他用一调胶的颜色来表现软缎的质感。袒露的胸部显不了这位妇女的健康、华贵和青春的美。在背景的处理上，达芬奇运用的是“空气透视法”，反后面的出崖、小径、石桥、树丛与潺潺的流水，都有推向遥远的深处，仿佛这一切都被笼罩在薄雾里，以此来加强“蒙娜丽莎”形象地位。这样一幅不大的肖像画竟用去他四年的时间，这说明达芬奇不是仅仅为了画好一个贵夫人的肖像，而是在艺术上有所追求的。 对《蒙娜丽莎》的艺术价值，不能仅仅从肖像被子画得生动逼真上面去考虑，更重要的是，达芬奇在这幅画上体现了他先进的艺术思想，即以科学的精神去观察自然的态度。
达芬奇主张在艺术上要做自然的和子。可是在神学思想里，人是被看成罪恶的化身的。达芬奇的《蒙胧娜丽莎》与宗教世界观完全相反，它是一首赞美自然的颂歌。他的肖像画确凿地肯定了人生和它的美的意义。
西方美术赏析的作品分析
《伏尔加河上的纤夫》 列宾 油画 1873年 藏于俄罗斯博物馆。 列宾（1844-1930），是俄国19世纪后期的俄国批判现实主义绘画主要的代表之一，《伏尔加河上纤夫》是他的成名之作。还在学生时代，彼得堡涅瓦河上纤夫的沉重劳动引起了列宾的同情，从那时候开始，他就想描绘一幅表现纤夫的作品，以提示下层劳动人民的痛苦生活和社会的不平。1870年夏季，列宾与同班同学华西里耶夫（他后来也画过有关纤夫的画）去伏尔加河旅行写生，典型的俄罗斯风光和纤夫的生活给他留下了难忘的印象。画中列宾画了十一个饱经风霜的劳动者，他们在炎热的河畔沙滩上艰难的拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性，他们生活在社会的最底层，但这是一支在苦难中练成坚韧不拔，互相依存的队伍。
背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤苦、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。 因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。 《日出·印象》描绘的是勒阿弗尔港一个多雾的早晨，晨曦笼罩下的海水呈现出橙黄色或淡紫色，天空被各种色块渲染，再现强烈的大气反光中形成的表面的色彩。这种对绘画语言本身的探索为后世许多画家所接受，从而形成了以印象派为起源的大潮流，艺术踏上了迈入现代的旅程。 日出印象，1874年，一群常在巴黎盖尔波瓦咖啡馆聚会的青年画家们决定筹办一次画展，他们汇集了165件作品，借杜鲁街一幢大楼的二楼，举办了第一届＂印象派＂画展。
展览吸引了大批观众，有的慕名而来，有的存心前来挑刺，最引人注意和争议的莫过於莫奈的这张《日出印象》。 画面展现的是充满雾霭的早晨，一轮红日冉冉初升，桔红的光影闪烁在银灰色的海面上。远方港口码头的轮廓，在朦胧迷漫的朝雾中影影绰绰。 画家在这 要表现的是海上日出时光的颤动与色的和谐。现今看来这本没有甚麽值得指责的，然而当时那班充满敌意、维护传统的批评家却挖苦说：＂这比毛胚的糊 纸还要粗劣＂，...
论述如何去评价西方现当代画家作品欣赏和西方油画价值
当代油画，已经从视觉艺术走向元素符号的道路上了。
今天我们随处可见那些用来提供读解的图像。于是我们中的大部分对于图像就只有停留在读解，认知。是我们的感知弱化了，还是感知已被认知替代？其实，对许多事，根本无需读解，直接感知就都明白了。如今，我们的感知系统在艺术方面，常常是空闲和茫然的，而我们的认知系统却一直是紧张和忙乱的。
好比当下，传统的视觉是将观众吸引在画作面前，以比例精确的透视和色彩来娱乐眼球。略带自欺的认为自己已对图像有了深刻的感知。
本来，人最初用眼睛看物时，对点、线、面、块、色单独或组合的图式只有抽象感受，对于功能与内容，还并不清楚。只是当眼睛不停地重复观看，不断地满足大脑所需的功能、内容的要求。加之触觉、听觉、嗅觉地共同起哄后，才使眼睛成了大脑的工具，从而失去自己了最原始、最单纯的感受。就像康德的纯粹理性批判一书中所批判的那样。
然而，当代作品与此相反，他用一种纯粹的方式去作画，画面里，他利用好看的点、线、面唤起眼睛的知觉，也可以是说在画面里，那些点、线、面，那些色与块都在按照它们自身的愿望规律地、自主地生长着。
所以很多当代的现代派画作就是把原初的视觉找回来。换言之，就是要把内容给眼睛制造的屏障剥离掉，使眼睛失而复得地回到抽象与单纯中。为了达到眼睛所寻找的那个方向，不管是一个点、一条线、一个符号、一样图形、一种色，还是集群的点、线、符号、图形与繁复的色彩，画家都尽可能地让它们服务于他的“好看”原则。而我们只要试图接受这种信号，产生共鸣就算是读懂了一件艺术品的含义了。
结合中西方现当代艺术的特点谈如何欣赏当代油画
艺术在产生之初 是为了纪念与记录当时代人们的生产生活 随着社会的发展与时代的迈进 艺术逐渐沦为宗教与政治的附属物 与其说附属物 倒不如说是二者之间相互影响 促成了当代艺术的发展 在15世纪时 艺术是纯粹的宗教附属品 但经过文艺复兴时期 宗教与政治反而大力推动了艺术的发展 在精神方面 得以解放 得以半脱离
西方美术主要强调人文思想 强调艺术是精神的产物 在东方 艺术主要被看做一种生产
在当代自由思想充斥的社会中看待当代油画 应该具有一定的局限性 一览无余是有难度的 看待作品 角度往往比距离更重要
在古典时期 往往被抬高的是艺术作品 艺术家是不存在的 如 萨莫德拉克的胜利女神 只知其物 不闻其艺术家 断臂的维纳斯 等等 举不胜举
当今社会 当代艺术 更多的是去解读艺术家 与艺术家的思想
由此看来 对于艺术本身 追根溯源 是有必要的
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